Pasaba por aquí

Ridley Scott parece haberse reconciliado con parte de la crítica con esta nueva reinterpretación del mundo de la mafia de Nueva York. Sin embargo, los comentarios sobre este ‘American Ganster’ son desiguales. Para muchos es una visión correcta, pero sin alma, de la historia real de un negro que reivindicó su derecho a ser tan buen criminal como los blancos; su derecho a no tener que pedir permiso a nadie para ascender socialmente; y su derecho a subir a lo más alto y volver a caer a causa de su ambición. Sin embargo, hay otras opiniones que la tildan de ‘obra maestra’ del género, a la altura de la celebérrima ‘El padrino’. Ni tanto ni tan calvo. Si bien es cierto que Scott guarda una cierta distancia con sus personajes, más bien parece una postura intencionada para mostrar que el mundo de la mafia y el mundo de la policía, como todos los demás mundos, viven de la escala de grises. No toma partido por nadie, y y lo que para unos es un desmérito, debería ser un mérito más de la cinta, que huye de actitudes maniqueas salvo cuando introduce sin venir a cuento imágenes de yonquis moribundos y niños huérfanos. El filme no quiere contar la historia de los drogadictos, sino la de los gerifaltes que venden la heroína y los policías corruptos que contribuyen a perpetuar el status quo. Por tanto, los méritos de la cinta son muchos, destacando por encima de todos ellos el soberbio montaje, y la actuación de Denzel Washington, que sabe dosificarse para no transformar a Frank Lucas en una burda caricatura. Y que Russell Crowe es un gran actor a estas alturas no es una sorpresa. Para la memoria el duelo interpretativo que mantienen en los minutos finales. Otro de los puntos sobresalientes de la película es su ritmo, que hace que, por una vez, no resulten pesadas las dos horas y cuarenta de metraje. Por supuesto, también hay que admitir que no llega a la altura de otras ‘grandes’ del género, pero este filme es de lo mejorcito que ha llegado a las pantallas en 2007. En definitiva, una apuesta entretenida y recomendable. Si al final la huelga de guionistas no llega hasta los Oscar, seguramente barrerá en premios. La academia tendrá una buena oportunidad para reconciliarse con Scott tras haberle negado el Oscar por genialidades como Blade Runner.

Surrealista, a ratos desternillante, escalofriante pero también un poco inconsistente, sobre todo en sus comienzos. Así podría describirse “Bebé” la apuesta de la compañía valenciana La Pavana que marcó el pasado sábado el comienzo de este Outono de Teatro. El guión, del norteamericano Christopher Durang –viejo conocido del director Rafael Calatayud– sorprende por sus recónditos vericuetos y su original manera de describir la esquizofrénica relación entre unos padres y su vástago, al que no conocen, al que se ven incapaces de criar, del que no distinguen ni su propio sexo, pero al que quieren a pesar de todo. La puesta en escena, tétrica y oscura, muestra un hogar que ya se adivina desestructurado y desvencijado, y avanza que lo que el espectador va a observar es un ejercicio tragicómico de humor negro en el que nada es lo que parece. Los primeros compases resultan un poco confusos, con una iluminación desafortunada que dificulta que el espectador entre de lleno en la historia. Pero según Natacha-Palmira-Iván Karamazov va creciendo, la trama también desvela sus matices, su complejidad y también su lado más terrorífico. Precisamente a la faceta más absurda y divertida de la obra contribuye mucho Lola Moltó –La Nanny– que a pesar de su histrionismo deja algunos de los mejores golpes de efecto de la representación. Del mismo modo, Victoria Salvador resulta soberbia en los diferentes papeles que desgrana a lo largo de la obra, como por ejemplo el de la Psiquiatra. Marta Belenguer-Flora, precedida por su fama televisiva, realiza un correcto retrato del patetismo de una madre fracasada en su familia y en su carrera. Juli Disla-Max está un tanto desdibujado en su personaje, un padre incapaz de sobreponerse a su falta de voluntad y a su alcoholismo. Por último, Toni Agustí-Natacha supera el reto de plasmar a un joven completamente perdido y ansioso de cariño que al final, y por pura casualidad, encuentra su rumbo. “Bebé” deviene, en definitiva, en un ejercicio de sutilezas, lleno de referencias literarias, no sólo a Dostoievski, sino a Ibsen –con una explícita alusión a la dicotomía Flora-Nora–, a Flaubert, a Jonathan Swift o a James Joyce. Una comedia nacida desde el absurdo que desemboca en un poso amargo, casi dramático, que deja, sólo en los últimos momentos, un soplo para la esperanza. Una Berta.

Valoración *** (sobre 5*)
Rebeca Blanco September 12, 2006

El debut de Juan Antonio Bayona ha venido marcado por unas críticas de ensueño y una promoción al más puro estilo Made in Hollywood. El Orfanato se ha convertido en la película más taquillera del año en apenas un par de semanas, y los espectadores, en general, salen satisfechos con la propuesta. En confrontación con las críticas más que positivas hay muchos que aseguran que es un plagio de Los Otros, que roba conceptos de Poltergeist y otras famosas películas exponentes del género de terror que convierten el guión en un refrito. Mi valoración se queda a medio camino entre las dos opiniones, bastante opuestas, que se pueden leer sobre el filme. Como espectadora, sin más, El Orfanato no me dejó un minuto de reposo, es decir, estuve toda la película en tensión y pasando, en ocasiones, auténtico miedo y terror, algo que no me ocurría desde Sesión 9 o El sexto sentido. Sólo por eso, la obra merece un respeto. Y aunque algunos aseguran que el final es del todo previsible, lo cierto es que eso es muy poco creíble. Acepto las opiniones que defiendan que es ñoño, sentimentaloide y de lágrima fácil, pero nunca previsible. Desde el punto de vista técnico, la factura es impecable, así como la ambientación y la dirección artística. Y respecto a las acusaciones de plagio, mi opinión es que, como debutante, Bayona quiso incluir referencias a sus clásicos favoritos y se le pasó la mano, pero quién no entienda y sepa que todas las películas de terror se parecen unas a otras y que todas se basan en casas lúgubres, mujeres que se adentran solas en la oscuridad de la noche cuando podrían quedarse durmiendo tranquilamente o circunstancias perfectamente normales que se acaban tornando extrañas es que no entiende el género. Todas las películas de terror se parecen unas a otras, o al menos, la mayoría. En cuanto a los paralelismos con Los Otros, creo que la comparación es obligada, pero que no es cierto que El Orfanato no cuente nada nuevo respecto a la de Amenábar. Por lo demás, he de decir que no admiro especialmente a Belén Rueda, pero sin ella la película no sería posible, porque es la que hace que al final todo encaje. Cualquier otra interpretación echaría por tierra todo el argumento. Fantástica la actuación del niño, Simón, que también contribuye a que el espectador sufra la angustia de la madre por encontrarlo ¿Quién no querría llevarse a su casa a ese crío que está para comérselo? En definitiva, creo que El Orfanato está muy bien, que es una obra muy cuidada, que como opera prima tiene mucho mérito y que, una vez más, defiendo que hace que el cine español no parezca cutre. Y eso es uno de los principales retos de la industria. Una Berta.

Valoración **** (sobre 5*)
Rebeca Blanco September 12, 2006

A pesar de que es mi directora favorita, casi nunca tengo la oportunidad de ver las películas de Isabel Coixet en pantalla grande. La industria deja de lado las obras de autor en favor de superproducciones que invaden las salas, y por ese mismo motivo es difícil lograr atrapar en cartelera –sobre todo si no vives en grandes ciudades– las pequeñas joyas de esta gran artista. Tras recurrir al dvd para rendirme con “Mi vida sin mí”, tuve que servirme de nuevo del mismo sistema para disfrutar de este oasis cinematrográfico. Esta autora, que acostumbra a rodar en inglés y con autores internacionales, apuesta de nuevo por el intimismo y por Sarah Polley para dar forma a la complejidad de un enigmático personaje femenino. La opresión de una plataforma petrolífera, que se superpone con la angustia del herido (un sorprendente Tim Robbins) son el marco perfecto para descubrir el trauma bajo el que logra sobrevivir la protagonista. Una manera de abordar los desmanes de Bosnia elegante, cruda, efectiva y que llega a un punto culminante de emoción cuando esta resignada enfermera y este hombre perdido en su propia desgracia comparten su dolor en el catre de un lugar en el que las olas no dejan de convertirse en la la única banda sonora. Una banda sonora de la que sólo el personaje que interpreta Polley puede escapar a voluntad. Coixet es capaz como nadie de conseguir una belleza descarnada que transforma la desesperación en esperanza, la tristeza en júbilo y que puede mostrar que las palabras son sólo una expresión de la vida secreta de las personas. Espero impaciente la nueva película de Coixet, a la que parece que se le han abierto las puertas de Hollywood gracias a las maravillas que de ella ha hablado el actor más independiente de la industria estadounidense, Tim Robbins. Una Berta.

El laberinto del fauno: la gran revelación en la pasada edición de los Oscar, un giro en la carrera de su director, el “Gordo” Guillermo del Toro y la película hispana más taquillera de la historia en EEUU. Esta pequeña fábula contiene todos los ingredientes para conmover al espectador. Tras varios proyectos que no pasaron de ser mediocres ensayos –como por ejemplo “El espinazo del diablo”, en el que una vez más Eduardo Noriega hace gala de sus escasas dotes interpretativas–, Del Toro da en el clavo con este drama político transformado en cuento de hadas en el que en varios momentos, gracias en gran parte a la lucidez de Sergi López y a la insuperable Maribel Verdú –que, por cierto, debería haberse llevado el Goya sobre nuestra inefable Penélope– la emoción traspasa la pantalla para anclarse en cada una de las butacas del cine. Como en todas las grandes películas fantásticas, los efectos secundarios sirven para apoyar la trama principal y no para robarle protagonismo a un argumento en el que todos preferimos pensar que Ofelia se ha ido a vivir al país de los cuentos en lugar de perecer a manos de un psicópata con uniforme que ventila sus frustraciones oprimiendo a sus compatriotas gracias al parapeto del régimen franquista. En un año, el 2006, que fue afortunado y prolífico para el cine español, con películas como “Volver”, “Salvador”, “Azul oscuro casi negro” y “Alatriste”, todas ellas con una calidad bastante superior a la que la industria patria nos tiene acostumbrados, esta coproducción con México sirve para constatar que los hispanos podemos hacer cine de calidad. Que las pequeñas historias, si están bien contadas, también triunfan en EEUU. Y que, como declaraba el “Gordo” tras los Goya, “juntos hacemos las cosas mejor”. No sé si mejor, pero desde luego, con gran acierto. Una Berta.

Hace tiempo que debía haber escrito la crítica sobre esta película. Fui a verla sin haber leído el libro original y decidí esperar a terminarlo para opinar sobre esta sorprendente obra de un director que no parecía proclive a las superproducciones después de la original “Corre Lola corre”. A la postre, creo que el mayor mérito de “El perfume” reside en la idea primigenia. Es decir, lo mejor del filme es la sorprendente historia elaborada por Patrick Süskind que se convirtió en un best-seller y también en la única obra reseñable del autor. Como es habitual, el texto supera a la película, pero aún así hay varios aspectos dignos de mención en la adaptación a la gran pantalla. En primer lugar mis respetos a Tykwer por elaborar una obra fidedigna, algo harto complicado teniendo en cuenta la trama original. En segundo, mi admiración a la película por la excelente fotografía. En tercero, nuevamente mis respetos por no ceder a la hipotética presión mercantilista que se presupone al cine actual y mantener el impecable e impactante final. Por lo demás, es una película que me dejó bastante sobrecogida nada más salir de la sala, pero que con el paso del tiempo no ha dejado en mi una honda impresión. A pesar de la correcta factura y de las correctas interpretaciones –más que correctas en el caso de Dustin Hoffman y Alan Rickman– no es una historia que me emocione lo más mínimo, ni que despierte en mí grandes reflexiones. Eso sí, Tykwer ha demostrado que es un director capaz de llevar una “gran” obra –al menos en el aspecto de medios y presupuesto– con gran maestría. En cuanto al libro, Süskind demostró en su momento tener una buena idea –sobre todo enteramente nueva– y oficio de escritor, pero, como en el caso de todos los best-seller, creo que se ha mitificado demasiado un libro entretenido con tintes pseudo filosóficos que al final conmueve por su planteamiento inicial y por su desenlace más que por su desarrollo. Una Berta.

La mayoría de los críticos aseguran que una vez al año Woody Allen regala a todos los cinéfilos una pequeña joya con la que disfrutar. Lo cierto es que sus películas hay que ir a verlas sin pensárselo, porque esta “universally acknowledged truth” –gracias Jane Austen– es realmente cierta. Sin llegar al nivel de Match Point, obra maestra, Scoop es entretenida, inteligente, elegante y con una Scarlett Johansson sensual y divertida. Es cierto que aplaudí la decisión del genio de dejar de intervenir como actor en sus propios filmes, pero nadie como él interpreta el papel de hombre soltero, caótico y despistado. Su personaje contribuye a las situaciones cómicas de buena parte del guión, además de que en esta ocasión genera uno de los mejores gags de la cinta, cuando estrella su coche contra un árbol por no saber conducir por la izquierda –si bien Allen no ha acusado artísticamente su marcha de Nueva York, no ha podido evitar hacer un guiño satírico a la vieja Inglaterra–. Por lo demás, como siempre en sus obras, la acción transcurre suavemente. Recurre de nuevo a los iconos de la época clásica, como con la Cassandra de Poderosa Afrodita, mostrando a Caronte y a la propia Muerte persiguiendo por toda la Laguna Estigia al periodista que regresa de su propia tumba cegado por su sed de exclusivas. Sorprendente Hugh Jackman, a quién me resultaba difícil imaginar sin su disfraz de Lobezno. Y, también como siempre, digna de admirar la sensibilidad artística de Allen para plasmar un Londres y una Inglaterra hermosos e impecables. Quizás se echa algo de menos una crítica más mordaz hacia el mundo periodístico, ya que el guión esboza una visión que podría ser devastadora, pero que no llega a cuajar del todo. Por último, hay que mencionar la música. Tanto en Match Point como en Scoop Allen recurre a los clásicos para resaltar los climax narrativos. En la primera con “Una furtiva lacrima”, en vinilo y casi recreando el roce de la aguja contra el disco como haciendo un viaje atrás en el tiempo. En la segunda con Chaikovski, abusando de una de sus piezas más famosas, depurando cada vez más sus bandas sonoras. Como siempre, espero impaciente la próxima entrega del director más genial de Hollywood, cada vez más, hijo adoptivo de Europa. Una Berta.

En A Coruña hay desde hace unas cuantas semanas una iniciativa maravillosa. Y es la de ofrecer, unos meses después del estreno en toda España, películas en versión original subtituladas. Hasta hora estuvieron en cartel Buenas noches y buena suerte, Brokeback Mountain, Munich o Crash, entre otras. La mayoría ya las había visto en su momento dobladas, y no era plan de pagar otra vez sólo para escuchar la versión en inglés. Pero esta semana estaba en cartel Capote, una de las oscarizadas que se me había escapado viva. Así que busqué a alguien a quién no le importaran los subtítulos y allá me fui en mi día libre. Sólo diré que hubiera lamentado no verla. Sobre todo en inglés. Philip Seymour Hoffman está inmenso. Él solo construye el filme de principio a fin. Por lo demás, y teniendo en cuenta que durante la carrera tuve que leer y analizar en profundidad “A sangre fría”, un libro que cambió por completo el panorama de la literatura y el periodismo del siglo XX, me encantó ver reflejada en pantalla la tragedia de los Clutter, una excusa como otra cualquiera para reflejar a su vez la personalidad atormentada, egocéntrica, egoísta y genial de un escritor que en ciertos momentos vende su alma al diablo. No sólo por el éxito, sino por alcanzar la perfección. Una de las cosas que más me gusta de la cinta, además del protagonista, es el guión. No recuerdo ahora si estaba nominado, pero entrelaza perfectamente la historia del asesinato y las motivaciones de Perry Smith con la vida de Capote. Además, el hecho de que por una vez no hagan un biopic conformista y que redime al biografiado me encanta. Sí es cierto que al final Capote intenta justificarse a sí mismo, intenta eliminar su parte de responsabilidad en la muerte de Perry. Es un intento de no naufragar tras asumir que ha engañado, ha mentido y ha manipulado sólo para escribir un libro, genial sí, pero libro al fin y al cabo. Pero en seguida llega la voz de la conciencia (personificada en su mejor amiga) que le dice: “Lo cierto Truman, es que no has hecho nada por evitar su muerte”. Para la posteridad, la escena final del ahorcamiento. La única pega, que el ritmo de la película es a veces demasiado lento. Sin embargo, calidad para una obra sin grandes pretensiones, pero correcta y llevada a otro nivel gracias a un actor en estado de gracia. Una Berta.